Le Festival Flora 2026 célèbre le thème de l’éphémère
Le Festival FLORA de Cordoue, en Espagne, est l’événement de référence mondial consacré à l’art floral contemporain et à l’univers botanique. Chaque année, au mois d’octobre, des équipes nationales et internationales de floral designers sont invitées à transformer des lieux historiques de Cordoue grâce à des installations artistiques botaniques inspirées d’un thème spécifique. En 2026, le thème retenu est l’éphémère.
Depuis toujours, l’être humain sait que tout ce qui l’entoure est voué au changement. La vie contemporaine n’a fait qu’accentuer cette réalité. Notre lieu de vie, nos relations personnelles, la carte géopolitique, nos préférences esthétiques… tout évolue à un rythme soutenu, introduisant de nouvelles façons d’habiter le monde et d’interagir avec lui.
Les artistes participant à la neuvième édition de FLORA se sont inspirés de cette notion d’éphémère. Ils soulignent ainsi l’essence même du festival. La forme créative principale de FLORA est l’installation botanique, une œuvre par nature temporaire tant par sa durée de vie que par les matériaux utilisés : fleurs et végétaux. Lors de FLORA 2026, l’éphémère n’était plus seulement une réalité matérielle, mais un état d’esprit et une source d’inspiration pour le processus créatif.
Cinq artistes internationaux venus de Corée du Sud, de France, d’Espagne, des États-Unis et du Royaume-Uni ont réinventé cinq patios historiques à travers leurs installations. Ils concouraient pour le premier et le deuxième prix de FLORA 2026. Le festival proposait également un riche programme d’activités invitant le public à célébrer la nature à travers la philosophie, la musique, la recherche, la performance et d’autres disciplines.
Palmarès Flora Festival 2026
- 🏆 Premier prix : Mas Rasa met Cataclysm — € 25.000.
- 🥈 Deuxième prix : FLOVER NYC met I Can’t Wait for the Future — € 10.000.
Jury:
Natalia Álvarez Simó, gestionnaire culturelle espagnole reconnue pour son expérience dans la direction et l’innovation d’organisations culturelles.
Óscar Fernández López, commissaire d’exposition, critique d’art et coordinateur de la Sala Vimcorsa et du Centro Pepe Espaliú à Cordoue.
Wagner Kreusch, artiste floral brésilien et lauréat du premier prix FLORA 2025.
Mas Rasa – Cataclysm
Le studio de design floral Mas Rasa, fondé par Noé Lebreton, a remporté le premier prix du prestigieux festival international FLORA 2026 à Cordoue, en Espagne.
Qui est Mas Rasa?
Derrière Mas Rasa se trouve Noé Lebreton, artiste conceptuel dont le travail se situe à la croisée de l’art floral, du design et de la scénographie.
Né en 1994 en Camargue, dans le sud de la France, il suit une formation en design graphique et architecture d’intérieur avant de s’installer à Paris. Il y exerce pendant huit ans comme architecte d’intérieur.
En 2023, il choisit de réorienter sa carrière et se forme en art floral à la prestigieuse École des Fleuristes de Paris. Il approfondit alors ses connaissances en techniques florales et en botanique, tout en développant sa sensibilité artistique à travers de nombreuses collaborations avec des fleuristes et artistes, notamment Debeaulieu.
L’espace occupe une place centrale dans l’approche artistique de Mas Rasa. Son travail explore les possibilités offertes par le végétal, à la fois comme source d’inspiration et comme matière première pour le design et la scénographie.
Mas Rasa avait été sélectionné comme lauréat de l’appel à projets Patio Talento 2026 de FLORA.
Cataclysm
Cataclysm constitue un portail vers un paysage en mutation. Mas Rasa a transformé la cour du Palais Orive en un marécage balayé par des vents violents. Mais où s’arrête la destruction et où commence la renaissance ?
Des millions de graines invisibles, mais omniprésentes, sont disséminées dans l’installation, prêtes à germer et à porter en elles une promesse silencieuse de renouvellement.
Par ce geste, Cataclysm dépasse la nostalgie d’un paysage perdu et célèbre la résilience du vivant. La catastrophe n’annonce pas seulement la destruction ; elle marque également le début d’un nouveau cycle et nous invite à redéfinir notre notion de beauté.
L’installation devient ainsi une expérience contemplative et éphémère qui évolue constamment au fil des jours. Les visiteurs ont pu découvrir la beauté fragile d’un monde façonné par une rupture soudaine mais porté par une conviction inébranlable : la vie trouve toujours son chemin.
Matériaux utilisés
Amaranthus, Thypa, Phragmites australis
Aluminium, béton et plastique
Vidéo
Flover – I can’t wait for the future
Avec son installation I Can’t Wait for the Future, FLOVER a remporté la deuxième place.
Qui est Flover?
FLOVER NYC est un studio de design floral basé à New York qui repousse les limites de la création florale contemporaine.
Inspiré par l’architecture, la mode et la nature, FLOVER intègre régulièrement des éléments inattendus à ses œuvres, tels que des structures métalliques et des textures industrielles. Il en résulte des installations spectaculaires dotées d’une forte puissance émotionnelle.
Le studio a conçu des créations florales pour des événements internationaux prestigieux, notamment l’after-party du Met Gala. Son travail a été publié dans Vogue, Elle USA et The New York Times.
Parmi ses clients figurent Nike, Netflix, Google, YouTube, Spotify, Soho House, GQ, Reebok et TAG Heuer, ainsi que des personnalités comme Lady Gaga, Arca et Gigi Hadid.
I can’t wait for the future
Nous considérons souvent l’éphémère comme quelque chose qui disparaît définitivement. FLOVER s’intéresse davantage à ce qui vient ensuite : ce qui survit, se transforme et renaît.
L’installation confronte technologie et nature. Un paysage composé de terre, d’herbe, de fleurs et d’un arbre partage l’espace avec un chien robot inattendu.
L’œuvre évoque un futur post-apocalyptique possible où, malgré les incertitudes liées aux évolutions technologiques, la nature continue de survivre et de se transformer. En observant ce paysage artificiel, le visiteur devient lui-même partie intégrante de l’œuvre : un hommage à la survie, à la régénération et à l’espoir.
Matériaux utilisés
Alocasia, Dianthus, Anethum graveolens, Hypericum, Nerine, Ruscus en Limonium
Mortier-colle, alliage d’aluminium, acier, polystyrène expansé, géotextile, MDF, écorce de pin, plastique, polypropylène, terre et peinture à l’eau.
Vidéo
Les trois autres artistes de FLORA 2026
Hamish Powell – El Murmullo
Qui est Hamish Powell?
Né au Zimbabwe en 1998, l’artiste floral britannique Hamish Powell est devenu en peu de temps une figure incontournable de l’art floral contemporain.
Biologiste et généticien de formation, il possède une connaissance exceptionnelle des espèces botaniques. À seulement 23 ans, il fonde son propre studio créatif et développe des installations immersives qui explorent notre relation émotionnelle à la nature.
Son travail associe un sens aigu de l’architecture à un processus créatif intuitif, dans lequel les émotions occupent une place centrale. Il explore régulièrement des thèmes tels que l’éphémère, la mémoire, les rituels et la perception.
De la direction artistique florale pour les campagnes de Tom Ford aux résidences artistiques à Singapour, son travail a été publié dans des médias tels que British Vogue, Financial Times HTSI, Grazia et The Observer. Il figure également dans la liste Forbes 30 Under 30 Europe.
El Murmullo, sa création pour Flora Festival
L’éphémère n’est pas seulement ce qui disparaît, mais aussi ce qui tire sa beauté de sa propre nature éphémère.
Inspiré par les vols en nuées d’étourneaux — un phénomène naturel fascinant au cours duquel des milliers, voire des millions d’oiseaux volent ensemble en dessinant dans le ciel des formes en perpétuelle évolution —, Hamish Powell explore dans son installation la beauté de l’éphémère.
Cette vaste sculpture cinétique se compose de centaines de milliers de fleurs d’immortelles (Helichrysum), fixées individuellement à une structure métallique. L’ensemble crée des compositions sans cesse changeantes, qui semblent ne jamais se répéter.
Matériaux utilisés
Helichrysum –
fer, acrylique laqué, acier et bois
Vidéo
Sohee Park – Halcyon
Qui est Sohee Park?
L’artiste coréenne Sohee Park, fondatrice d’Elle Travaille, explore dans ses installations les propriétés matérielles et le caractère éphémère de son environnement. Son travail s’intéresse souvent aux cycles de croissance, de déclin et de renouveau. Elle associe ainsi les fleurs aux racines, aux branches, aux lianes, à la mousse et à d’autres éléments naturels essentiels. Pour Park, les plantes et les fleurs ne sont pas des matériaux décoratifs, mais des « médias vivants qui incarnent le temps, la mémoire et les rythmes de la nature ».
Sohee Park possède un remarquable sens de l’espace, qui lui permet de transformer les lieux dans lesquels elle intervient, tout en plaçant systématiquement l’environnement naturel au cœur de sa démarche. Son travail a été exposé dans certains des musées et galeries les plus prestigieux de Corée du Sud. Il associe une maîtrise exceptionnelle de la couleur à une esthétique qui célèbre la beauté brute de la nature. Pour FLORA Festival, elle réalise pour la première fois une création en Europe.
Halcyon, sa création pour Flora Festival
Halcyon transforme le mouvement de l’eau de la fontaine Santa María en un vaste paysage botanique qui semble prendre naissance, s’étendre et chercher à dépasser les limites de l’espace architectural. L’installation capture un instant fugace : celui où le jet d’eau s’élance vers le ciel, éclate en gerbes et disparaît à nouveau. Cet instant se traduit par une forme monumentale et organique. Les fragments de miroir flottant à la surface de l’eau créent une multitude de reflets et instaurent un dialogue entre l’œuvre et la cour qui l’entoure.
Dans son travail, Sohee Park ne s’intéresse pas uniquement au moment de la floraison, mais à l’ensemble du cycle de vie de la plante : des racines, tiges et branches aux fleurs, en passant par leur flétrissement progressif et leur retour ultime à la nature. Ces moments ne constituent pas des étapes isolées, mais s’inscrivent tous dans un processus continu de croissance, de transformation et de renaissance.
Le mot halcyon désigne une brève période de paix et d’harmonie, un instant de sérénité comme figé dans le temps. Pour l’artiste, l’éphémère ne se résume pas à la disparition : il fait partie intégrante du cycle infini de la vie.
Matériaux utilisés
Alocasia, branches, Colocasia, feuilles de maïs, Craspedia, saule tortueux, Leucospermum, Leycophyta, Limonium sinense, mousse, graminées ornementales, inflorescences de palmier, Phormium, Physalis, citrouille, racines, zilverstruik, gousses de haricot sabre,feuillages tropicaux et Washingtonia
Liège, fer et polystyrène recouvert d’une finition miroir
Vidéo
Taller Banegas – Interlude
Qui est Taller Banegas?
Taller Banegas est un studio dédié à la créativité florale et à l’art, fondé par Alejandro Fernández Banegas (1983). Son travail explore une grande diversité de formes et d’applications, dans lesquelles les éléments floraux occupent une place prépondérante.
L’histoire de la collaboration entre Fernández Banegas et le festival FLORA remonte à 2017, lors de la toute première édition du festival. Il avait alors assisté Isabel Marías dans la réalisation de son installation au Musée taurin (Museo Taurino). Cette collaboration s’est poursuivie au fil des éditions suivantes, au cours desquelles il a assumé différentes fonctions, de l’assistance artistique à un rôle essentiel au sein de l’équipe d’Eugenio Ampudia pour son installation à Vimcorsa en 2024.
Le travail de Fernández Banegas conjugue sa formation en arts plastiques et en décoration d’intérieur avec les connaissances acquises auprès de fleuristes espagnols de premier plan. Ses créations paraissent régulièrement dans des publications telles que Manera et AD. Il a également réalisé des projets pour le musée Thyssen-Bornemisza et Zara Home.
Cette combinaison entre formation artistique et expertise florale, associée à son profond attachement à sa région natale de La Mancha, donne naissance à un style qui se situe à la frontière subtile entre artisanat et raffinement. Son travail explore le potentiel expressif de la nature ainsi que les possibilités plastiques et symboliques de la façonner et de l’interpréter.
Interlude, sa création pour Flora Festival
Interlude nous invite à suspendre un instant le flux incessant du temps.
L’installation associe des piments séchés, des chrysanthèmes et des fibres de coco. Les piments symbolisent la tension entre perte et préservation, tandis que les chrysanthèmes évoquent la fragilité, la persévérance, l’éphémère et la longévité.
Le caractère ethnographique de certains objets utilisés, dont un panier en massette datant du XIXe siècle prêté par le Musée ethnographique de Villarrubia de los Ojos, renforce la réflexion sur la mémoire et le passage du temps.
Même la forme de l’installation est éphémère : le mouvement transforme l’immobilité en événement. L’œuvre est accompagnée de l’Adagietto de la Symphonie n° 5 de Gustav Mahler, accentuant encore cette expérience où tout semble à la fois disparaître et subsister.
Matériaux utilisés
Capsicum (Chili peppers), Chrysanthemum et Cocos nucifera (coconut fibre)
Acier, fer et MDF
Vidéo
PHOTOGRAPHIE: Laura M. Lombardia – Festival Flora